Restauro opere d'arte: i princìpi che guidano chi salva un capolavoro dal degrado

Un dipinto chiuso in un museo sembra al sicuro, eppure si deteriora comunque. Luce e umidità lo logorano lentamente, insieme ad altri fattori ambientali, quasi senza lasciare segni visibili a occhio nudo.

I fattori che fanno invecchiare un’opera

Il Canadian Conservation Institute, l’istituto canadese di riferimento sulla conservazione dei beni culturali, cataloga diversi fattori di danno per le opere d’arte. La luce visibile altera pigmenti e materiali nel tempo. Lo stesso vale per i raggi ultravioletti e infrarossi, anche in sale apparentemente buie. Un’umidità relativa non corretta è un altro fattore di danno, perché materiali diversi si dilatano e si contraggono in modo diverso con l’aria secca o umida. Gli inquinanti atmosferici figurano tra i fattori di degrado. Anche gli organismi infestanti provocano un danno biologico riconosciuto: insetti e muffe sono gli esempi più comuni. A questi si aggiungono urti, vibrazioni e altre forze fisiche, un fattore a sé.

Una voce enciclopedica sulla conservazione dei beni culturali aggiunge un dettaglio utile: molte opere sono sensibili insieme a temperatura, umidità ed esposizione alla luce, non a un singolo fattore isolato. Una stima citata dalla voce rende l’idea di quanto conti la temperatura: abbassare da 21°C a 10°C la temperatura di conservazione di una pellicola di acetato di cellulosa potrebbe aggiungerle oltre un secolo di vita utile, un principio generale sull’effetto della temperatura sui materiali, più che una cifra legata a un’opera specifica. Anche gli acquerelli sono un esempio citato: restano esposti a un rischio simile, perché la luce solare diretta ne scolorisce i pigmenti nel tempo.

I princìpi del restauro

Di fronte a questi danni, chi restaura non può agire a sentimento. L’Istituto Restauro Roma elenca alcuni princìpi chiave dell’attività di restauro, pensati per proteggere l’opera dall’intervento stesso.

Il principio di riconoscibilità impone che ogni parte aggiunta durante un restauro resti distinguibile dall’originale: chi guarda con attenzione deve poter capire cosa è nuovo e cosa è antico. Il principio di compatibilità guarda ai materiali: quello che un restauratore aggiunge non può rovinare, né nella struttura fisica né nell’aspetto, ciò che resta dell’opera originale. Il principio del minimo intervento impone di restaurare solo quanto è strettamente necessario: mai di più. Il principio di interdisciplinarità prevede che storici dell’arte, chimici e restauratori collaborino nella ricerca sull’opera, prima ancora di toccarla.

C’è poi la reversibilità, che tradizionalmente chiede che un intervento possa essere tolto in futuro senza rovinare l’opera originale, se col tempo si altera o per altri motivi. È un principio guida storico della conservazione: nella professione è stato messo in discussione, perché nessun materiale di restauro è garantito reversibile per sempre. Gli standard etici chiedono comunque al restauratore di giustificare ogni intervento e di tenerne una documentazione completa.

Esempio pratico: nel restauro della Cappella Sistina, lo strato di vernice applicato dai restauratori dei secoli precedenti era diventato scuro e alterava i colori originali di Michelangelo. Rimuoverlo ha richiesto di valutare, affresco per affresco, cosa fosse sporco da togliere e cosa fosse pigmento originale da proteggere: il principio di minimo intervento, applicato a una superficie di centinaia di metri quadrati.

Il restauro della Cappella Sistina

Il caso più noto di restauro su larga scala resta quello della Cappella Sistina, in Vaticano. Le prove tecniche preliminari iniziarono nel 1979. Il restauro vero e proprio fu condotto dallo staff interno dei Musei Vaticani tra giugno 1980 e aprile 1994, circa quattordici anni di lavoro. La prima fase, dedicata alle lunette dipinte da Michelangelo, si svolse tra giugno 1980 e ottobre 1984.

Sugli affreschi si era depositato nei secoli uno strato scuro, fatto soprattutto di grasso e cera delle candele usate per illuminare la cappella, insieme alla fuliggine dei bracieri. A questo si erano aggiunti gli interventi di restauratori precedenti, che avevano applicato vernici e colla per far risaltare i colori: materiali che col tempo erano scuriti, coprendo le tonalità originali invece di esaltarle. Il restauro del 1980-1994 eliminò lo sporco di candele e bracieri, oltre alla colla animale, alla resina e al fiele di bue usati nei restauri precedenti. Il risultato riportò alla luce tonalità di colore scelte da Michelangelo, rimaste nascoste per secoli sotto gli strati accumulati. Una parte importante dei fondi, 4,2 milioni di dollari statunitensi, arrivò da un accordo con l’emittente televisiva giapponese Nippon Television: la cifra coprì l’intero progetto durato dal 1980 al 1994, non una spesa annuale.

L’opera di Michelangelo nella Cappella Sistina nasce nel pieno del Rinascimento maturo, lo stesso periodo in cui lavorarono Bramante, Leonardo e Raffaello. Capire quel contesto aiuta a capire anche perché quegli affreschi fossero considerati, già allora, un’opera da proteggere nel tempo: lo stesso Rinascimento aveva già cambiato il modo in cui l’Europa guardava alle opere d’arte, un patrimonio da custodire nel tempo.

Cosa resta aperto

Il restauro non è una scienza esatta con una sola risposta giusta. La reversibilità, come si è visto, resta un principio di riferimento, ma la pratica non sempre riesce a garantirla: un materiale di restauro può comportarsi in modo diverso da quanto previsto, col passare del tempo. Per questo gli standard etici chiedono una documentazione completa, dall’inizio alla fine del lavoro: chi si occuperà dell’opera in futuro deve poter sapere cosa è stato fatto e con quali materiali.